If Pixar has a superpower, it’s definitely this one: it makes movies that kids enjoy with laughter and adventure, but that leave adults existentially dehydrated and questioning our family relationships. Onward is no exception.

The story follows Ian and Barley, two teenage elf brothers living in a world where magic has been relegated to the history books. Everything changes when they discover a spell that could bring their deceased father back for just one day. The small detail is that they only manage to materialize the lower half of his body (yes, pants with shoes that walk on their own, thanks Pixar). From there, an adventure begins to complete the spell before the day is over.

But the truly magical thing about Onward isn’t the dragons, the mythological creatures, or even the spells. It’s the emotional and psychological undercurrent that resonates with children and adults alike.

What does Onward represent in the inner world of children?

This journey has much of what Vygotsky would call a zone of emotional proximal development. Ian, the younger brother, begins the story feeling incapable, insecure, «less» than the others. His inner voice is full of doubts and fears, and he needs—like all children—a supportive figure who serves as an emotional scaffolding to dare to be. In this case, that scaffolding is his brother Barley: loud, eccentric, and seemingly clumsy, but with brilliant emotional intuition.

The film brings into play a key learning experience for child development: trust. And not an imposed trust, but one born of experience, trial and error, and living things together. Along the way, Ian discovers that everything he needed was already within him… but he needed a safe and loving environment in which to see it.

Absence as a Narrative Driving Force

The figure of the absent father is not only literal, but deeply symbolic. Onward speaks about partial orphanhood, a reality more common in childhood than we think. But it does so with tenderness, respect, and above all, with an emotional clarity that allows children to process loss or absence from a place of curiosity rather than pain.

The film doesn’t wallow in sadness. It reminds us that some losses cannot be changed, but that there are also invisible presences that sustain everyday life: brothers, mothers, loving figures who care without being heroes, but who work magic every day.

Family as an Emotional Network

In a world full of spells and adventures, true power lies in emotional connection. Ian believes he needs to know his father to feel whole, but ends up discovering that he’s already had a father figure all along. Barley, the clumsy but brave brother, has been his guide, his caregiver, his source of stories, his personal cheerleader.

Here comes one of the most beautiful theories of developmental psychology: relational resilience. It’s not so much what’s missing that matters, but what’s built with what’s there. When children feel emotionally supported, they can fill even the biggest voids with tenderness, courage, and meaning.

And what’s the point?

The point of Onward is that sometimes we go through life looking for figures to complete us, without realizing that we’ve already been deeply loved and supported by those who have been there all along, even if they haven’t had a cloak, sword, or official title. The magic isn’t in bringing back what’s lost, but in recognizing the value of what’s present.

Sometimes our children don’t need big answers, but rather help them look with fresh eyes at what’s always been there: a mom who improvises spells in the form of cookies, a brother who never stops talking but never stops being there, or an adult who, like you, teaches them that every adventure, no matter how ordinary it may seem, can be extraordinary if it’s done with love.

Si Pixar tiene un superpoder, definitivamente es este: hace películas que los niños disfrutan con risas y aventuras, pero que a los adultos nos dejan existencialmente deshidratados y cuestionando nuestras relaciones familiares. Onward no es la excepción.

La historia sigue a Ian y Barley, dos hermanos elfos adolescentes que viven en un mundo donde la magia ha quedado relegada a los libros de historia. Todo cambia cuando encuentran un hechizo que podría traer de vuelta a su padre fallecido por un solo día. El pequeño detalle es que… solo logran materializarle la mitad inferior del cuerpo (sí, unos pantalones con zapatos que caminan solos, gracias Pixar). A partir de ahí, comienza una aventura para completar el conjuro antes de que se acabe el día.

Pero lo verdaderamente mágico de Onward no está en los dragones, ni en las criaturas mitológicas, ni siquiera en los hechizos. Está en el trasfondo emocional y psicológico que resuena en niños y adultos por igual.

¿Qué representa Onward en el mundo interior de los niños?

Este viaje tiene mucho de lo que Vygotsky llamaría una zona de desarrollo próximo emocional. Ian, el hermano menor, comienza la historia sintiéndose incapaz, inseguro, «menos» que los demás. Su voz interna está llena de dudas y miedos, y necesita —como todos los niños— una figura acompañante que le sirva de andamio emocional para atreverse a ser. En este caso, ese andamio es su hermano Barley: ruidoso, excéntrico, y aparentemente torpe, pero con una intuición emocional brillante.

La película pone en juego un aprendizaje clave para el desarrollo infantil: la confianza. Y no una confianza impuesta, sino una que nace de la experiencia, del ensayo y error, de vivir cosas juntos. Ian va descubriendo, a lo largo del camino, que todo lo que necesitaba ya estaba en él… pero que necesitaba un entorno seguro y afectivo para verlo.

La ausencia como motor narrativo

La figura del padre ausente no solo es literal, sino profundamente simbólica. Onward habla de la orfandad parcial, una realidad más común de lo que creemos en las infancias. Pero lo hace con ternura, con respeto, y sobre todo, con una claridad emocional que permite a los niños procesar la pérdida o la ausencia desde un lugar de curiosidad más que de dolor.

La película no se regodea en la tristeza. Nos recuerda que hay pérdidas que no se pueden cambiar, pero que también hay presencias invisibles que sostienen la vida cotidiana: hermanos, madres, figuras afectivas que cuidan sin tener título de héroes, pero que hacen magia todos los días.

La familia como red emocional

En un mundo lleno de hechizos y aventuras, el verdadero poder es la conexión emocional. Ian cree que necesita conocer a su padre para sentirse completo, pero termina descubriendo que ya ha tenido una figura paterna todo este tiempo. Barley, el hermano torpe pero valiente, ha sido su guía, su cuidador, su fuente de historias, su cheerleader personal.

Aquí entra en juego una de las teorías más hermosas de la psicología del desarrollo: la resiliencia relacional. No importa tanto lo que falta, sino lo que se construye con lo que sí está. Cuando los niños se sienten emocionalmente acompañados, pueden elaborar incluso los vacíos más grandes con ternura, con valentía y con sentido.

¿Y cuál es la galleta?

La galleta de Onward es que a veces vamos por la vida buscando figuras que nos completen, sin darnos cuenta de que ya hemos sido profundamente amados y acompañados por quienes han estado allí todo el tiempo, incluso si no han tenido capa, espada o título oficial. La magia no está en traer de vuelta lo perdido, sino en reconocer el valor de lo presente.

A veces nuestros hijos no necesitan grandes respuestas, sino que los ayudemos a mirar con nuevos ojos lo que siempre ha estado ahí: una mamá que improvisa hechizos en forma de galletas, un hermano que no para de hablar pero nunca deja de estar, o un adulto que, como tú, les enseña que cada aventura, por ordinaria que parezca, puede ser extraordinaria si se hace con amor.

Few films manage to say so much with a time machine, an orphan boy, an eccentric family, and a jazz-playing frog. The Family of the Future is not only a literal journey into the future, but also into a very particular emotion: hope.

From the outset, Lewis confronts us with a silent but intense question: what defines a family? The last name? The blood? The family photos stuck on the refrigerator? None of this seems to apply to the protagonist, a child genius living in an orphanage, obsessed with finding his biological mother. His gaze is fixed on the past, while life (and a spaceship) takes it upon itself to take him straight to the future.

The first thing we notice is that Lewis doesn’t feel like he’s enough. He believes that if his mother abandoned him, it was because something wasn’t right with him. This perception is more common than we’d like among many children who experience family breakdowns, absences, or even academic failure. Lewis isn’t just looking for a family; he’s looking for validation, someone to tell him, «It’s okay to be who you are.»

And then comes Wilbur Robinson, a child from the future who arrives to shake up the narrative of abandonment with a radical idea: what matters isn’t what you lost, but what you can build back. Wilbur isn’t a classic mentor; he’s a walking mess, but it’s precisely that energy that awakens in Lewis a different way of seeing life.

When he arrives at the Robinson house, the confusion is absolute. Each member of the family is more peculiar than the last, and far from being ashamed of their oddities, they all celebrate them. There’s a key lesson there: difference isn’t a disadvantage, it’s a superpower. Lewis, with his failed inventions and unruly hairdo, begins to understand that maybe he doesn’t need to fit into anyone’s mold. He can be himself. He can even make mistakes.

The film gives us one of the healthiest mottos for childhood (and for adulthood, too): «Keep going.» That mantra, which appears after every mistake, every failure, every loose screw, is a lesson in emotional resilience. From a child psychology perspective, this is crucial. Children don’t need everything to go right; they need an environment that encourages them to try again, that teaches them that failure isn’t a punishment, but a legitimate part of the learning process.

And that’s when the twist occurs: Lewis discovers that the Robinson family isn’t just any family of the future… it’s his own. That Wilbur is his son. That the house is his creation. That this eccentric future, full of inventions, affection, and creative chaos, is born from him. Not from someone else. From that child who felt rejected. From that child who believed he had no place in the world.

This discovery isn’t just a thrilling plot twist; it’s a powerful emotional message: your worth doesn’t depend on your past, but on your potential. Lewis realizes that he doesn’t need to find his mother to have a future. His identity isn’t anchored to what he lacked, but to what he is building day by day. For a child who doubts himself, knowing that he can become someone admired, loved, and creative is a transformative gift.

It’s also important to note that, in this story, the «villain» turns out to be another abandoned child, another Lewis who took a different path because he couldn’t process his sadness or transform his anger. The message is powerful: it’s not pain that defines us, but what we do with it. From a psychological perspective, The Family of the Future tells us about the consequences of unaccompanied emotional loneliness and how vital it is for any child to feel seen, understood, and supported.

In the end, Lewis returns to his time without fear. He no longer needs answers, because he has clarity. He has vision. He has confidence. He decides not to give up, not to stop, not to wait to be rescued. He decides to move forward. Because now he knows that the future isn’t something that waits for him… it’s something he can invent himself.

Pocas películas logran decir tanto con una máquina del tiempo, un chico huérfano, una familia extravagante y una rana que toca jazz. La familia del futuro no solo es un viaje al futuro literal, sino al interior de una emoción muy particular: la esperanza.

Desde el inicio, Lewis nos confronta con una pregunta silenciosa, pero intensa: ¿qué define a una familia? ¿El apellido? ¿La sangre? ¿Las fotos familiares pegadas en la nevera? Nada de eso parece aplicarle al protagonista, un niño genio que vive en un orfanato, obsesionado por encontrar a su madre biológica. Su mirada está clavada en el pasado, mientras la vida (y una nave espacial) se encarga de llevarlo directo al futuro.

Lo primero que notamos es que Lewis no se siente suficiente. Cree que si su madre lo abandonó, fue porque algo en él no estaba bien. Esta percepción es más común de lo que quisiéramos en muchos niños y niñas que experimentan rupturas familiares, ausencias o incluso fracasos escolares. Lewis no busca solo una familia, busca validación, alguien que le diga: “Está bien ser quien eres”.

Y ahí aparece Wilbur Robinson, un niño del futuro que llega para sacudir la narrativa del abandono con una idea radical: lo importante no es lo que perdiste, sino lo que puedes construir. Wilbur no es un mentor clásico; es un caos andante, pero es justo esa energía la que despierta en Lewis otra forma de ver la vida.

Cuando llega a la casa de los Robinson, el desconcierto es absoluto. Cada miembro de la familia es más peculiar que el anterior, y lejos de avergonzarse por sus rarezas, todos las celebran. Ahí hay una enseñanza clave: la diferencia no es una desventaja, es un superpoder. Lewis, con sus inventos fallidos y su peinado indomable, empieza a entender que tal vez no necesita encajar en el molde de nadie. Puede ser él mismo. Puede, incluso, equivocarse.

La película nos regala uno de los lemas más saludables para la infancia (y para la adultez también): “Sigue adelante”. Ese mantra, que aparece tras cada error, cada falla, cada tornillo mal puesto, es una lección de resiliencia emocional. Desde la psicología infantil, esto es crucial. Los niños no necesitan que todo les salga bien, necesitan un entorno que los anime a volver a intentarlo, que les enseñe que el fracaso no es un castigo, sino una parte legítima del proceso de aprendizaje.

Y es entonces cuando ocurre el giro: Lewis descubre que la familia Robinson no es cualquier familia del futuro… es la suya. Que Wilbur es su hijo. Que la casa es su creación. Que ese futuro tan excéntrico, lleno de inventos, afecto y caos creativo, nace de él. No de otro. De ese niño que se sentía rechazado. De ese niño que creía no tener un lugar en el mundo.

Este descubrimiento no es solo un plot twist emocionante; es un mensaje emocional potentísimo: tu valor no depende de tu pasado, sino de tu potencial. Lewis se da cuenta de que no necesita encontrar a su madre para tener un futuro. Su identidad no está anclada a lo que le faltó, sino a lo que está construyendo día a día. Para un niño que duda de sí mismo, saber que puede convertirse en alguien admirado, querido y creativo es un regalo transformador.

También es importante notar que, en esta historia, el “villano” resulta ser otro niño abandonado, otro Lewis que tomó una ruta distinta porque no pudo procesar su tristeza ni transformar su enojo. El mensaje es poderoso: no es el dolor lo que nos define, sino lo que hacemos con él. Desde una lectura psicológica, La familia del futuro nos habla de las consecuencias de la soledad emocional no acompañada, y de lo vital que es para cualquier niño sentirse visto, comprendido, contenido.

Al final, Lewis vuelve a su tiempo sin miedo. Ya no necesita respuestas, porque tiene claridad. Tiene visión. Tiene confianza. Decide no rendirse, no detenerse, no esperar ser rescatado. Decide seguir adelante. Porque ahora sabe que el futuro no es algo que lo espera… es algo que él mismo puede inventar.

Think about it: Bob Parr isn’t depressed, he’s just bored with the routine. Helen isn’t a resilient mom; she’s a mom who stretches herself emotionally to make things work. Violet isn’t just invisible because she can disappear; she’s invisible because she doesn’t know how to be seen. Dash doesn’t run for speed; he runs because no one lets him be himself. And Jack-Jack… well, Jack-Jack is pure chaos, the kind that comes when the family system is on the verge of combustion

The Incredibles isn’t just an action story about a family saving the world. It’s, in fact, a profound reflection on modern family dynamics. It’s an exploration of how we deal with the passage of time, the loss of purpose, parental frustration, childhood autonomy, and the roles that bind us. It’s, in short, a family psychology film disguised as a Pixar film.

When Bob experiences his identity crisis, he’s not far from what Erik Erikson calls the «generativity vs. stagnation» stage. He was once a hero; now he’s an office worker who represses his strength and lives off glorious memories. He feels useless, wasted, and this pushes him to live a double life that doesn’t hide an affair… but rather a search for meaning.

Helen, on the other hand, becomes an emotional contortionist: she sustains the household, regulates tensions, and mediates between the children, between her husband and his reality. Her flexibility isn’t just physical; it’s mental, social, and psychological. And like many real mothers, she carries the silent burden of making everything work, even if she buckles in the attempt.

Violet and Dash are, each in their own way, examples of how children express their emotions through behavior. Violet disappears because she doesn’t know how to cope with her own existence, her growth, her insecurity. Dash can’t stay still because no one allows him to be powerful, to run, to shine. They are both asking for the same thing: validation.

And Jack-Jack, the shape-shifting, burning, disappearing, and lightning-shooting baby, represents something very real: when everything in the family goes haywire, the little ones express it with intensity and chaos. In systemic terms, we could say that Jack-Jack is the visible symptom of the emotional imbalance in the family system. His power is emotional dysregulation in the form of a baby.

But the powerful thing about The Incredibles isn’t just that each character has their own conflict. It’s that they all learn, little by little, to recognize each other not by their powers, but by how they care for each other, listen to each other, forgive each other, and rebuild themselves. It’s not the suit that makes them incredible; it’s the teamwork. It’s stopping running away from each other. It’s talking. It’s looking again at the person in front of you and remembering that the true feat is surviving a family dinner without anyone firing a laser beam.

And in the finale—that beautiful chaos where the Parrs face the Omnidroid together—what is truly defeated isn’t just an external threat. The fear of trusting others is overcome. Helen allows Bob to be vulnerable («I’m not strong without you»). Violet, for the first time, uses her power to protect, not to hide. Dash runs with permission, without reprimands, without imposed limits. And Jack-Jack… well, Jack-Jack explodes as a symbol that the family no longer represses what it feels, but channels it.

After that battle, the scene on the sports field is no less important: Violet removes her hair from her face, Dash learns to compete without destroying, and the entire family is present, no longer anonymous, but united. That everyday epilogue is worth more than any victory. Because what truly saves the world isn’t power, it’s the emotional connection that allows you to use it well.

Piénsalo: Bob Parr no está deprimido, solo está aburrido de la rutina. Helen no es una mamá elástica, es una mamá que se estira emocionalmente para que todo funcione. Violet no es solo invisible porque puede desaparecer, es invisible porque no sabe cómo ser vista. Dash no corre por velocidad, corre porque nadie lo deja ser él mismo. Y Jack-Jack… bueno, Jack-Jack es el caos puro, ese que llega cuando el sistema familiar está al borde de la combustión.

Los Increíbles no es solo una historia de acción con una familia que salva al mundo. Es, en realidad, un espejo profundo de las dinámicas familiares modernas. Es una exploración de cómo lidiamos con el paso del tiempo, la pérdida de propósito, la frustración parental, la autonomía infantil y los roles que nos atan. Es, en pocas palabras, una película de psicología familiar disfrazada de Pixar.

Cuando Bob vive su crisis de identidad, no está lejos de lo que Erik Erikson llama la etapa de “generatividad vs. estancamiento”. Él fue un héroe, ahora es un oficinista que reprime su fuerza y vive de recuerdos gloriosos. Se siente inútil, desaprovechado, y eso lo empuja a vivir una doble vida que no esconde una aventura… sino una búsqueda de sentido.

Helen, por otro lado, se convierte en una contorsionista emocional: sostiene el hogar, regula las tensiones, media entre los hijos, entre su esposo y su realidad. Su flexibilidad no es solo física; es mental, social y psicológica. Y como muchas madres reales, vive la carga silenciosa de que todo funcione, incluso si ella se dobla en el intento.

Violet y Dash son, cada uno a su modo, ejemplos de cómo los niños manifiestan sus emociones a través del comportamiento. Violet desaparece porque no sabe cómo enfrentar su propia existencia, su crecimiento, su inseguridad. Dash no puede quedarse quieto porque nadie le permite ser potente, correr, brillar. Ambos están pidiendo lo mismo: validación.

Y Jack-Jack, el bebé que cambia de forma, arde, desaparece y lanza rayos, representa algo muy real: cuando todo en la familia se desajusta, los más pequeños lo expresan con intensidad y descontrol. En términos sistémicos, podríamos decir que Jack-Jack es el síntoma visible del desequilibrio emocional del sistema familiar. Su poder es la desregulación emocional hecha bebé.

Pero lo poderoso de Los Increíbles no es solo que cada personaje tenga su conflicto. Es que todos aprenden, poco a poco, a reconocerse no por sus poderes, sino por cómo se cuidan, se escuchan, se perdonan y se reconstruyen. No es el traje lo que los hace increíbles, es el trabajo en equipo. Es dejar de huir del otro. Es hablar. Es volver a mirar a quien tenías al frente y recordar que la verdadera hazaña es sobrevivir a una cena en familia sin que nadie lance un rayo láser.

Y en el desenlace —ese caos hermoso donde los Parr enfrentan juntos al Omnidroide— lo que realmente se derrota no es solo una amenaza externa. Se derrota el miedo a confiar en el otro. Helen le permite a Bob ser vulnerable (“yo no estoy fuerte sin ti”). Violet, por primera vez, usa su poder para proteger, no para esconderse. Dash corre con permiso, sin reprimendas, sin límites impuestos. Y Jack-Jack… bueno, Jack-Jack explota como símbolo de que la familia ya no reprime lo que siente, sino que lo canaliza.

Después de esa batalla, la escena del campo deportivo no es menor: Violet se quita el cabello del rostro, Dash aprende a competir sin destruir, y la familia entera está presente, ya no en el anonimato, sino en la integración. Ese epílogo cotidiano vale más que cualquier victoria. Porque lo que realmente salva al mundo no es el poder, es la conexión emocional que te permite usarlo bien.

Hay una edad en la que el cuerpo cambia, los sentimientos explotan, y de repente ya no eres la niña adorable que obedecía todo lo que mamá decía. De un día para otro, algo se activa: tu voz cambia, tus gustos también, y te descubres defendiendo lo que antes solo aceptabas. En Turning Red, ese “algo” es literalmente un panda rojo gigante que aparece cada vez que Mei se emociona demasiado. O sea… casi todo el tiempo.

Pero ¿y si te dijera que ese panda es una metáfora perfecta del desarrollo emocional adolescente? Vamos por partes.

La película es un viaje emocional hacia esa etapa donde la identidad se vuelve un campo de batalla. Mei vive dividida entre lo que quiere ser y lo que su familia espera de ella. Y eso, queridas y queridos lectores, no es solo una historia de Pixar: es uno de los conflictos más clásicos descritos por Erik Erikson en su teoría del desarrollo psicosocial. A los 13 años, justo cuando Mei se transforma en panda por primera vez, las personas están resolviendo la etapa de “identidad vs. confusión de roles”. ¿Quién soy? ¿Lo que me gusta es realmente mío o es lo que mis padres quieren para mí? ¿Puedo tener emociones grandes sin sentir vergüenza?

Aparece entonces el panda. Peludo, torpe, impredecible, pero completamente honesto. El panda representa todo lo que a Mei le enseñaron a reprimir: su enojo, su deseo, su independencia, su euforia, su tristeza. Las emociones como fuerzas potentes que, si no se reconocen y se integran, explotan como un rugido en medio del salón de clases. En términos de Vygotsky, podríamos decir que Mei está atravesando una reorganización interna de sus funciones psíquicas, donde el entorno social (la escuela, sus amigas, su familia) va moldeando el modo en que aprende a regular sus emociones y a construir su autoconcepto.

Y aquí hay algo importante: en la película, el panda se puede “sellar” para que no vuelva a salir. Es lo que las mujeres de la familia han hecho por generaciones. Han encerrado sus pandas, como si la emocionalidad intensa fuera algo de lo que hay que avergonzarse. Pero Mei decide otra cosa: decide convivir con él, aprender a integrarlo, usarlo a su favor. Porque como bien dice Carl Jung, “lo que niegas te somete; lo que aceptas te transforma”.

Turning Red no solo habla de pubertad. Habla de cómo el proceso de individualización puede ser caótico pero hermoso. De cómo crecer duele, pero también libera. Y de cómo muchas veces las emociones que más nos asustan son, en realidad, las que más nos conectan con quienes somos.

Detrás de cada grito, de cada pelea con mamá, de cada dibujo de chicos lindos en el cuaderno, hay una necesidad muy humana: la de ser vista, escuchada y aceptada tal como eres… incluso cuando eres una bola roja y peluda que destruye techos.